"Дорогая, я переделал коллекцию!": гид по выставке от Филиппа Коэна

В МАММ открылась выставка "Дорогая, я переделал коллекцию!"

В Мультимедиа Арт Музее открылась выставка работ из коллекции Филиппа Коэна – дантиста, французского буржуа и ценителя современного искусства. Корреспондент M24.ru прогулялся по МАММ вместе с Коэном и куратором выставки Ами Бараком и выяснил, что в экспозиции "Дорогая, я переделал коллекцию!" – самое интересное.

Гендерные стереотипы, недозволенная вседозволенность, провокации, отрицание и дерзость. Здесь практически нет картин, зато полно фотографий и инсталляций. Выставка разбита на шесть тематических "глав", однако коллекция все равно выглядит цельной – ее составляющие, разные на первый взгляд, при более тщательном рассмотрении оказываются очень схожими.

В коллекции нет ни классики, ни абстракций. Филипп Коэн утверждает, что никогда не стремился стать коллекционером концептуального искусства, но приобретал работы, руководствуясь страстью к художникам своего поколения, и в итоге собрал целый "пласт" неоконцептуализма.

В собрании Коэна найдутся как громкие имена - Энди Уорхол, Сидни Шелдон, Пол Маккарти, - так и менее известные. Француз, кстати, уверен, что многие из авторов еще успеют прославиться: он считает, что художники зачастую создают нечто фундаментальное, находясь в самом начале творческого пути.

Самое интересное - это великолепный ум, который кроется за личностью Коэна-коллекционера. Отбирая работы из коллекции Филиппа и разбивая их на "главы", я старался не только донести до зрителя те общие идеи, которые заложены в произведениях, активно взаимодействующих между собой. Мне также хотелось дать публике понятие о том, с какой целью сам коллекционер покупает работы – чем его интересует посыл того или иного автора.

Ами Барак

куратор выставки

"Зачем нужны картинки" / Why Pictures Now

Выставку "Дорогая, я переделал коллекцию!" открывает маленькая и достаточно невзрачная черно-белая фотография, которая дала название первой "главе" экспозиции – "Зачем сейчас картинки".

"Обычно выставки принято открывать чем-то масштабным, большим. Но этой экспозиции дает старт вот такое скромное произведение. Изображений в мире и так достаточно, говорит нам его автор Луиза Лоулер. Уже в 1981 году она задавалась вопросом о том, стоит ли "плодить" картинки", - комментирует Коэн. Он говорит, в этой работе его привлекло противоречие, кроющееся в попытке создать изображение, одновременно пренебрегая им.

Работы Луизы Лоулер, "Зачем нужны картинки?", 1981. Фото: m24.ru / Евгения Смолянская

Старенький телевизор, зеркало с ангелами, в котором нельзя делать селфи (Коэн утверждает, что на этом настаивает автор работы) и, наконец, инсталляция с колонками, транслирующими шум ластика – вот что предстает перед зрителем в первой части выставки.

Особенно примечательны, по словам Коэна, именно колонки – инсталляция Марио Гарсиа Торреса отсылает зрителя к другому произведению искусства, стертому с холста собственным автором.

"Однажды художник – не автор этой работы, а другой – стер собственное произведение ластиком. Он на протяжении долгого времени работал именно над тем, чтобы картина исчезла, а не появилась. Марио Гарсиа Торрес же, в свою очередь, перевел идею из плоскости изображения в плоскость звука", - говорит Коэн.

Работа Марио Гарсиа Торреса. Фото: m24.ru / Евгения Смолянская

"Видя "видимое" / Seeing "Seeing"

Вторая "глава" экспозиции, продолжая тему необязательных для актуального искусства изображений, открывает зрителю и еще одну идею – и достаточно простую: смысл художественных работ почти никогда не лежит на поверхности.

Современное искусство часто не нравится только потому, что им пренебрегают. Но ведь если человек уходит, не пытаясь понять произведение, он его никогда и не поймет. У него просто не будет шанса это сделать.

Если же зритель останавливается, старается остаться чуть дольше, задумывается, у него обязательно получается увидеть то, что он должен увидеть.

Филипп Коэн

коллекционер

По словам коллекционера, одна из важнейших работ этой части выставки – произведение неизвестного французского художника Клода Руто.

"Это французский автор создал очень важный объект искусства. Он концептуальный художник, который раньше занимался живописью. В какой-то момент Руто решил, что его картины не представляют никакой ценности, и ему пора перейти к чему-то более радикальному. Он сфотографировал все свои работы, а затем закрасил их краской. Холст, на который проецируются здесь, на выставке, фотографии его работ, тоже закрашен краской. А вместе с холстом – и стена, на которой висит холст", - рассказал Коэн.

Работа Клода Руто, 1970-1996. Фото: m24.ru

"Правды нет, все позволено" / Nothing Is True, Everything Is Permitted

В разделе "вседозволенности" расположились фотографии художницы Синди Шерман, слегка "модернизированные" старинные портреты и работа, положившая основу коллекции Коэна.

Пять ваз Аллана Макколлума, которые, по словам коллекционера, представляют собой карикатуру на слишком похожие друг на друга скульптуры, были куплены Коэном в 1992 году. После приобретения этих ваз француз, собственно, и "пристрастился" к неоконцептуализму.

Работа Аллана Макколлума, Perfect Vehicles, 1988. Фото: m24.ru / Евгения Смолянская

"Произведения Макколлума еще в конце 1980-х казались мне крайне радикальными. Меня это заинтересовало. Думаю, именно такие работы двигают искусство вперед", - считает коллекционер.

Что касается работ Шерман, то их на выставке две. На первой художница предстает в образах сурового доктора и легкомысленной медсестры, высмеивая гендерные стереотипы, на второй – вместе с коллегой Ричардом Принсом изображает рыжеволосого молодого человека, отстаивает право андрогинности на существование.

Работа Синди Шерман, "Доктор и медсестра" (Doctor and Nurse), 1980. Фото: m24.ru / Евгения Смолянская

Еще одно дерзкое произведение этой "главы" - портреты Ганса-Питера Фельдмана. Художник нашел старинные картины на блошином рынке, а затем "снабдил" их маленькими деталями – красными носами.

"Вам кажется, что это клоунские носы? На самом деле, факт в том, что они могут оказаться и чем-то иным. Знаете, в галереях возле проданных картин обычно вывешивается подобная красная точка. Она символизирует, что данная работа кем-то уже "занята", - отметил куратор выставки Ами Барак.

Работа Ганса-Питера Фелидмана, "Портреты мужчины и женщины с красными носами" (Portraits of a man and Woman With Red Noses). Фото: m24.ru / Евгения Смолянская

Интересно, что у Ганса-Питера Фельдмана есть целая серия подобных работ. Например, в коллекции Коэна имеется купюра достоинством в один доллар, нос Вашингтона которой также украшен яркой точкой (доллар можно найти в разделе "Кабинет памятных вещей").

"Я тоже делаю искусство" / I Am Making Art Too

Уже существующие произведения искусства используют в своих работах большинство художников, чьи произведения есть в коллекции Коэна. Однако именно этот раздел собрал наибольшую часть любителей "цитирования".

По мнению коллекционера, именно "переработка" прошлого позволяет искусству идти вперед.

"Когда художник берет за основу одно произведение, а затем создает новое, свое, – это новый шаг для искусства. Это развитие. Без прошлого нет настоящего и нет будущего", - считает Коэн.

Кстати, поскольку тема апроприации – своего рода художественного "цитирования" – близка коллекционеру, название своей выставки он тоже позаимствовал: "Дорогая, я переделал коллекцию" - это слова, написанные на разноцветном плакате Аллена Рапперсберга. Произведение тоже можно увидеть в МАММ.

Работа Мэтью Дэя Джексона, "Костюм астронавта (после Бойса)" (Apollo Syit Felt (after Beuys), 2008. Фото: m24.ru / Евгения Смолянская

"Больше никакой реальности" / No More Reality

Пожалуй, самая интересная работа этой части коллекции Коэна – жутковатая инсталляция-перформанс Пола Маккарти, которая состоит из 40-минутной видеоистории и набора костюмов Пиноккио.

На экране происходят дикие вещи: Маккарти, переодетый в Пиноккио, красит стены и стол кетчупом и майонезом, таскает по комнате длинноносую куклу, пугающе гремит банками, чашками и ботинками и все в таком духе. Сопровождается действо соответствующим саундтреком – резким и напряженным.

Инсталляция Пола Маккарти, 1994. Фото: m24.ru / Евгения Смолянская

"История Пиноккио – это сказка, которая призвана научить детей не врать. Маккарти взял ее за основу и модернизировал, превратив в современное повествование. Его собственная, новая история, рассказывает о том, как мы ведем себя в жизни. Он используется символы и метафоры, чтобы показать современное общество – в основном американское, потому что он американец – и раскритиковать его. Интересно, что Пиноккио Маккарти рисует майонезом и кетчупом – самыми распространенными ингредиентами мировой еды", - рассказал куратор Ами Барак.

Согласно первоначальной задумке Маккарти, смотреть видео нужно в костюмах Пиноккио. Зрителям предлагалось переодеться в специальной кабинке, обуть большие красные башмаки и завершить свой образ маской с длинным носом. Предполагалось, что, глядя на видео, человек ассоциирует себя с его героем – ведь он выглядит точно так же.

Сейчас надевать костюмы, конечно, никому уже не позволяют. Но смотреть на них можно сколько угодно – как и на видеоперформанс.

"Кабинет памятных вещей" / Le Cabinet D'Elements Memorables

В коллекции Филиппа Коэна есть и работа Энди Уорхола – правда, на выставке она достаточно тщательно спрятана. Фотографию ладони мастера, запечатленной на голубом фоне, можно найти в "Кабинете памятных вещей", среди десятков других рисунков и снимков рук. Полароидный снимок сделал самим Уорхолом.

"В коллекции Коэна много рисунков и других маленьких вещиц. Я решил собрать их вместе, показав, сколько в них общего. Тут, например, много рук и зубов", - отмечает Ами Барак.

Работа Энди Уорхола, автопортрет, 1983. Фото: m24.ru

Найдется в "Кабинете..." и "скульптура" кредитной карточки, сделанная из цельного куска графита, стенд с открытками, забирать которые с собой ни в коем случае нельзя, и мусорный мешок, под завязку набитый конфетами. Сладости, кстати, есть разрешается – если, конечно, вас не смущает возможность угоститься частичкой искусства.

Анна Теплицкая